Saison 2020

HARNAIS DE MOTIVATION
Que dire de ce nouveau moteur (doté d’une marche avant et d’une marche arrière) économique, écologique, politique... peut-être philosophique ???
si ce n’est la formule « soit tu avances, soit tu recules... »

Dans ce monde pithécantrope où l’animal est pourtant le premier, c’est fauve qui peut. Je me sens atteint de fauvisme aigu.

Sa peinture s’inscrit dans une démarche spiritualiste, à la recherche de l’être au plus profond de lui-même et à une connaissance de soi qui traverse toute l’histoire de l’humanité, depuis ses débuts dans les grottes préhistoriques, jusqu’à notre siècle de contradictions. Ce siècle qui conjugue la soif de savoir, par la science mais aussi par une recherche intérieure, et qui emprunte et mêle les voies du chaman des origines à celle des mystiques et les interrogations des philosophes. De cette recherche, Jean-Louis Bessede développe une peinture de l’esprit à travers un imaginaire et une maîtrise de son art dont la seule finalité est l’homme et son mystère. Il emploie toutes les expressions picturales, anciennes et contemporaines, reliant ainsi toutes les époques pour l’accomplissement de ses œuvres.

Classification désordonnée comme le flux des pensées qui semble continu et qui pourtant est ponctué d’espace que je sollicite à la recherche d’ellipses incertaines d’une toile à l’autre. C’est au cœur de l’arborescence des lobes cérébraux que s’organise le flux des pensées dans des échanges chimiques et électriques pour nous révéler une cohérence du monde qui s’appuie sur le tangible et le sacré. Ce sacré, lié au paradoxe du sexe qui donne la vie, et donc la mort. Ce sacré lié aux anciens qui ont fini leur cycle et qui partagent nos songes.L’innée vie table sur une mort joyeuse.

Personnages inachevés ou animaux en mutation, le quotidien prend une forme magique sous ces regards étranges qui nous interpellent dans notre plus profonde simplicité comme un retour à l’enfance, un retour vers le geste primitif et plus loin encore vers le vide. La peinture de Valérie Depadova semble nous rappeler que la chaleur peut être au cœur de l’hiver. La couleur est là comme un baume à la tristesse, étrangère au cœur de ces personnages pris en flagrant délit dans le détail d’une expression quotidienne naïve, simple, mais perplexe. Sa terre natale, le continent Africain semble lui avoir légué la richesse d’une palette aux couleurs chatoyantes, un trait franc et spontané.

Enfant, Didier Estival a souvent entendu relater des récits angoissants de la guerre 39-45, tels que l’arrestation et la torture d’un grand-oncle par la Gestapo. Comme le dit l’artiste : « J’ai développé une extrême sensibilité pour tout ce qui a rapport au côté sombre de l’existence, je suis plus sensible à un oiseau éventré qu’à un papillon coloré, je joue du noir et du blanc, de la vie et de la non-vie, de l’immobilité et du mouvement à travers la peinture, le volume et les installations. En jouant du noir et du blanc, de la vie et de la non vie, de l’immobilité et du mouvement, ma démarche artistique, n’est rien d’autre qu’une pulsion de vie contre l’inéluctable issue de l’existence. »

Naissance à Tarbes en 1962. Peintre autodidacte depuis 1996. Les œuvres présentées ont été peintes en public. La thématique du dépouillement est déclinée sous différents aspects. Concision et sobriété du discours, simplicité des matériaux, regards dénués d’expression, corps décharnés, nus, solitudes, renoncement à l’idéal esthétique sont autant de formes de l’expérience du dépouillement. Elles sont produites en élans automatiques au premier jet sans retouche ultérieure. Ainsi, à l’état brut, elles comportent certaines irrégularités. Débordements de couleur, marques de fixation, déchirures du support sont les témoins des événements survenus en cours de création. Les matériaux utilisés sont ordinaires (pinceaux, couteaux, couleurs primaires acryliques de qualité « étude », encre de chine), les supports sont : chutes de toile, papier, tissu.

Il est des êtres indispensables qui réfléchissent sur l’origine, l’histoire et le devenir de tout un chacun et qui élaborent des œuvres faisant sens dans notre monde contemporain si souvent dépourvu. Hervé Philippe est de ceux là. Avec sa série « rencontres singulières » il nous propose un travail de résilience sans concession. Il s’agit là d’un retour aux sources : l’enfant qui vit encore en nous reste le fondement de notre existence. C’est avec humilité que sa vision artistique nous dévoile cette réalité. Les souvenirs s’expriment, les personnages nous parlent ; les regards avertis sauront voir la poésie et l’art d’une grande personne, pas si grande que cela.

Anne-Marie Jouot n’est pas une bonimenteuse. Elle ne fait pas de manières, ni de préchi précha. Elle peint des p’tits bonshommes, des p’tites bonnes femmes, des z’animaux, souvent espiègles, ceux de la vie qui pétille au quotidien. Elle puise à pleines mains dans la banalité des rêveries ténues. Elle s’abandonne aux flux et reflux des moments d’enfance enfouis. Il affleure dans sa peinture (...) cette douce vague des nostalgies du cœur qui mêlent rencontres et départs, vivants et disparus. Ces figures malicieuses sont comme autant de porte-couleurs, avec le bonheur caché derrière, paré de couleurs acidulées. Anne-Marie Jouot n’a pas peur des bleus, des verts, des roses, des orangés, des jaunes et des rouges, celui-là à côté de cet autre, et cet autre là bas, à côté de celui-ci, ou vice-versa, c’est le sans dessus dessous de la vie et sa cohérence, le lieu où l’imaginé et le vécu se lient.

Un poète d’aujourd’hui a écrit : La France manque cruellement de Mexique. Or, si la France manque effectivement de Mexique, alors, elle manque tout autant d’Afrique, d’Inde, etc. Comme lui manque son propre Moyen-Âge, ses racines primitives, sa spiritualité (la vraie, l’animale). Heureusement, peut-être pour nous, quelques drôles de travailleurs demeurent, au fond de nos campagnes pas encore complètement gazées, qui prennent à leur compte, d’un geste presque léger, toutes ces carences de notre condition contemporaine, et qui, du même geste simple, font se rencontrer (sur une toile, une feuille de papier, mais aussi, sur une pierre, un meuble usuel, un morceau de bois) toute une foule de ces figures mythiques de tous temps, de toutes latitudes, que notre imaginaire moderne, dans son assèchement, a soit évacuées, soit simplement perdues. Michel Julliard est de ces hommes-là.

Le dessin chez Le Nen a toujours été spontané. Cet autodidacte, qui a pris un jour quelques cours du soir aux Beaux-Arts de Perpignan, vient à la peinture de la même manière qu’un enfant apprend à nager... Depuis toujours, il dessine dans les marges de ses cahiers d’école, sur des bouts de papiers, partout où son stylo peut se poser... Et le temps n’aura n’a pas eu raison de son coup de crayon. Alors tout naturellement, il décide un jour de se jeter à l’eau, d’abandonner l’intermittence et de devenir peintre à plein temps.

J’entre dans l’atelier. Au début, la toile est un rectangle inerte, une scène vide qu’il faut peupler et emménager. Les choses s’installent en quelques lignes dans l’agitation et le désordre. Invariablement les mêmes motifs se retrouvent tout au long des toiles, dans un emplacement identique, comme dans un langage musical, dans le choix méticuleux et précis de chaque chose.

Mes images ne sont pas légères. Peut-être naïves mais pas légères. Elles sondent la profondeur. Elles questionnent la place de l’être humain sur terre, le rapport du soi au monde. D’où la solitude, la densité à fleur de peau qui en ressort. Soi face à l’inconnu et à l’immensité, face aux mystères de la vie et aux questions existentielles. Elles sont le reflet d’un cheminement profondément intime. Le dessin, expressif et maladroit, puise à une multitude de sources, culturelles, graphiques, géographiques. Il se nourrit de ce qu’il rencontre en chemin, et est enrichi par l’état émotionnel de l’instant présent, par ma sensibilité et mes mémoires affectives. J’aime le mot syncrétisme ; à l’image de la culture brésilienne qui s’est nourrie de multiples traditions culturelles. C’est comme cela que j’envisage la création. Se nourrir pour donner naissance à de nouvelles images, comme une gestation et digestion de ce qui nous constitue.

Il y a Bernadette, Zézette et Josette qui badent devant une vitrine. Il y a Hubert et Roberte qui attendent le bus... Mais aussi Christine et Edmond qui bouquinent tranquillement, côte à côte sur leur canapé tout neuf... Ou bien Véronique qui ne fait rien de spécial, l’air abattu avec son petit sac à la main... Tous ces personnages, je les surprends dans leur intimité et je les fige dans leur quotidien, lorsqu’ils mettent de côté le paraître que la société nous impose, lorsqu’ils se laissent aller. Je les croque avec humour, avec exagération, mais surtout avec simplicité, avec tendresse.

« Je peins ce que je suis. Ma peinture est spontanée, intuitive. J’accueille. »
Sandra est une artiste d’une grande sensibilité. Elle dessine et sculpte également. Elle anime des ateliers d’art plastique auprès d’enfants et d’adultes « différents ». Elle a collaboré à la création de la galerie associative L’Atelier 8 à Nîmes.

Quand je trace sur mon support en carton des lignes à l’encre, des fils d’encre, mon pinceau devient alors aiguille imaginaire... Lentement je brode... je brode des points, des chaînettes, des motifs de dentelles. Lentement le dessin prend forme... Petit à petit, un monde naît... oscillant entre rêves doux et rêves noirs, sorti des songes et des entrailles. La technique de l’encre me permet de marier un travail graphique et pictural.

un amas de lettres
aucune intention pour former des mots aucun but de communication
quasi inutile
une sorte de lettres muettes
juste présentes